30 de noviembre de 2009

Jimi Hendrix, el mejor riff de la historia...

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Hoy nos despertamos con la noticia de que Jimi Hendrix, el que fuera figura y máximo icono de Woodstock,  ha sido distinguido con el reconocimiento al artífice del mejor riff de guitarra de todos los tiempos. Tal riff es interpretado en su famosa canción Voodoo Child (Slight Return) con su "fiel compañera Gibson", toda una diosa para los grandes amantes de la guitarra.
La elección ha sido fruto de una encuesta realizada por la web musical "Music Radar" entre más de 5.000 de sus lectores. Hendrix se llevó el premio por delante del riff con que Slash nos deleita al empezar la atemporal y maravillosa Child O´Mine de Guns n´Roses..


En tercer lugar quedó el de Jimmy Page (Led Zeppelin) en Whole Lotta Love; en el cuarto, Deep Purple y su inconfundible Smoke On The Water a cargo de Ritchie Blackmore; y cerrando el top 5, "Mano Lenta" Eric Clapton con su Layla cuando lideraba su antigua banda, Derek and The Dominos.


Más atrás, sólo dos canciones de reciente creación. Hablamos de los riffs de Jack White (White Stripes) en Seven Nation Army y el del "Mr.efectitos" Matt Bellamy en Plug in Baby (Muse).
The Kinks (You Really Got Me), Michael Jackson (Beat it), Metallica (Enter Sandman), Nirvana (Smell like a teen spirit), y The Rolling Stones (I cant get no satisfaction), son otros de los grandes nombres que parecen en la lista.

Pero tengo alguna pega acerca de todo ésto. Qué quieren que les diga, yo hecho de menos una pequeña mención al señor Santana, a Richie Sambora de Bon Jovi (el riff a media canción de "Heart´s breaking even" es embriagador), Keith Scott (Bryan Adams) lo borda en "It´s Only Love" y alguno, por dios!, alguno sólo, de Joe Perry de Aerosmith!!! (qué injusticia su no-mención).

En fin, para gustos los colores. Y para cada revista.., sus lectores.
(By JRGE)

Video Voodoo Child: http://www.youtube.com/watch?v=UtFNYApYi7E

27 de noviembre de 2009

Las Musas - Sin Música, La vida sería un error (Friedrich Nietzsche)

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Aquí estoy frente a la hoja en blanco, eterna página decolorada que ansía absorber el torrente de tinta, imaginación y sentimientos que emana la pluma del artista. Mas todos los esfuerzos por comprender mis palabras sin utilizar el corazón se convertirán en meros recuerdos propensos a olvidar por la mente humana, por tanto no hagáis que vuestro tiempo se deshaga en vano, poned de vuestra parte y absorber la magia del texto, que os embriagará y os transportará a un mundo paralelo donde todo es posible.
Aunque en esta línea, yo me pregunto ¿Qué hechos propiciaron vuestra mundana atención hacia mis parcas palabras, frías, opacas y vacías de sentimientos?

¿Qué importancia le habéis de dar a los pensamientos prosaicos de un ser humano tan sumamente contingente como yo? ¿Acaso me gané alguna vez vuestro respeto?


Un loco no obtiene el respeto de nadie, puesto que en la locura se encuentra libertad y seguridad; la libertad del recogimiento y la seguridad de no ser comprendido, pues quienes nos conocen y comprenden, oprimen una parte de nuestra existencia. Aunque si he podido atraer vuestra atención hacia estas líneas, es que vosotros también albergáis un pequeño aliento de locura en vuestro interior. Así pues, sin más dilación dejad que me escude en mi locura y os cuente aquello que descubrí hace tiempo pero que nunca mi demente pensamiento había dejado plasmar en papel, lo que hace que la música sea tan grande como es.

Divagado he en mi interior, y creo haber alcanzado la culpable causa que hace de la música y el arte en general lo que es, algo maravilloso. Seguramente la grandeza de tales manifestaciones artísticas sea culpa de las musas. La palabra musa, es originaria del griego (Μοῦσαι, Mousai) y desde las épocas antiguas, los escritores más alejados de nuestros tiempos las definían como diosas inspiradoras de los músicos.
Pero más allá de etimologías baratas de wikipedia, me dispongo a enseñaros lo que para mí significan, algo más profundo, difícil de explicar, pero que gracias a la musa que siempre me acompaña, lograré conseguir.

Algo acompaña al artista, algo inspira a la creativa personalidad de los músicos, algo activa los engranajes de la divina creación, algo invisible y mágico que solo es conocido por aquellos que tuvieron la suerte de experimentar tales sensaciones. Sensaciones que van más allá de la belleza corporal, de los placeres mundanos, las musas se introducen en nosotros, y como interruptores de creatividad, hacen que las palabras, los actos y los pensamientos vuelen, corran, avancen como torrentes inexorables contra todo lo que se interpone en su camino. Viven entre nosotros, rodeadas de halos mágicos, que maravillan y asombran por igual, pero solo eligen acompañar en su camino al artista merecedor de tales atributos, gente que vive, disfruta, ama y muere por el arte y la música. La musa consigue que alcances la sensación de perfección artística, que más tarde te acompañará en el camino, agarrado de tu mano. Mientras, suavemente andas el sendero de grava y polvo. Polvo que suspendido en el aire, es testigo de los asientos vacios del camino, cruzas las venidas de tu corazón recorriéndolas sin nada que perder, sin saber que podría encontrar, ignorante turba del sendero. Comienza el baile después de silbar, todo era mejor cuando estaba conmigo, susurrándome al oído que día le toca librar, ¿a quien le toca hacerme un traje? Sabes que pasé por allí, al final de día solo me encontré tierra y cristales, todo tiene el color de lo que aún está vivo, es mi estrella fugaz, mi amiga, gracias a las que siempre están allí, gracias musas.

“En la música es acaso donde el alma se acerca más al gran fin por el que lucha cuando se siente inspirada por el sentimiento poético: la creación de la belleza sobrenatural.”
-Edgar Allan Poe-

(By Rorro)

26 de noviembre de 2009

LBm: Los mejores regalos para éstas Navidades (Vol. 1)

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Pues vienen ya las Navidades y como siempre tenemos algunas pijotadas preparadas para todos los melómanos sin freno y para algún que otro sibarita del momento.

En primer lugar, os presentamos uno de los regalos estrella de éstas navidades. Parece que el romanticismo vuelve a la vida moderna. La gente cuando se trata de cartas importantes y con un motivo especial, vuelve a escribir a mano con su estilizada pluma y olvida los fríos y extendidos correos electrónicos; los puristas echan el pitillo empaquetado de Marlboro y se dignan, en un acto casi virginal y plenamente artesano, a liarse su piti de la risa, personalizado, con un toque propio; y la gente, ay amigos!, vuelve a sentir que escuchar música en vinilo es un reto poético, una reverencia al autor. El momento celestial de poner delicadamente la aguja encima del vinilo y escuchar esa amable distorsión es, simple y llanamente, pura poesía.


Pues bien, para que no te quedes sin tu primer regalo de Navidades te recomendamos un producto de muy buen precio y de una marca de garantía, SONY. Hablamos del Sony PS-LX300USB USB Stereo Turntable System - Black, un reproductor de vinilos con aspecto clásico (nada de excentricidades cuando se trata de cosas como ésta) pero que a la vez tiene una conexión USB que te permitirá transformar toda la musica de tu colección de vinilos en formato digital y guardarlo en tu disco duro. Además, tiene un "phono" incorporado para que puedas escuchar directamente la música sin tener que conectarlo a ningún amplificador externo. Lo puedes encontrar por un precio cercano a 160 $.


Pero... y esos vinilos, ¿dónde los vas a guardar? o incluso, ¿cómo te los vas a llevar a ese gran guateque? pues claro, también pensamos en eso. Te mostramos aquí una Crosley CR401-TA Record Carrier Case (Tan), con capacidad para más de 30 vinilos que irán bien a salvo de cualquier golpe o contratiempo. Ésta Crosley es de un diseño clásico y elegante, hecho para los amantes del retro pop de los años 60. Su precio es de 50$ aprox.


Y ésto ya es el gadget de los gadgets. Un lujo. Hablamos de la Memorex SingStand, "Now you can be a Star". 
Éste revolucionario artilugio te permite cantar con la propia musica de tu Ipod o cualquier MP3 conectado con un simple cable jack.
Y no sólo eso, también dispondrás de efectos, eco, control de voz,... todo para hacer un show realmente divertido con los amigos o puede, si te dedicas a ésto, que sea una gran herramienta de trabajo.
Viene equipado con dos micros, cable jack, AVC (auto voice control) y posibilidad de conectar tu propio teclado. Sólo cuesta unos 60 $ y puede dar mucho, mucho juego...
(By JRGE)
P.D.: Seguiremos informando.

24 de noviembre de 2009

LBM Crónica: Heineken Greenspace Madrid 2009

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The Duke and The King + Micah P. Hinson + Black joe Lewis and The Honey Bears


¿En que se basa un concierto? La mayoría de la gente que va a los conciertos lo hace esperando simplemente oír las canciones más famosas del artista tal y como suenan en el disco, lo cual es normal y todos lo hacemos en cierto modo, pero para mí una de las mejores cosas de un concierto es ver al artista tocar sus canciones con libertad… Libertad para versionarse a sí mismo y que el resultado sea un sonido nuevo que recuerda al antiguo. Evidentemente esto es muy peligroso, pero a la vez es lo genial de un artista, porque de eso se trata, un artista de verdad está creando de forma continua, y lo bueno que tiene la música, y que no tienen otras expresiones artísticas, es que se pueden incluir cambios en el momento de la expresión y para mí es una de las cosas que más se disfruta en un concierto. Como siempre es solo mi opinión, pero podría estar equivocado y acabar en un terrible desastre…


En esta ocasión el show empezó con The Duke and the King, un grupo de New York que basa su sonido en el más puro folk de su ciudad.. Violin, guitarras y batería a tope con sonidos sucios y voces potentes que se alternan entre el tono country y el blues. Todo show, estética cuidada y arte por encima de todo. Uno de esos grupos minoritarios cuya mejor cualidad sin duda es el directo.

Como segundo plato tuvimos al adulado en esta página y niño mimado de la crítica en general, Micah P. Hinson que para este concierto contó con la ayuda del gran grupo Tachenko como banda acompañante.

Sale al escenario con su porte de tío raro, lleno de tics, aparentemente atontado pero con un estilo elegante tremendamente característico. Lo suyo es la música, no podría dedicarse a otra cosa y menos mal que se le da bien.. El grueso del concierto fueron las canciones de su último disco de versiones “ All dressed up and smelling of strangers” del cual ya hemos hablado ampliamente aquí y que hemos calificado como uno de los mejores del año. En relación con el primer párrafo de este artículo, Micah hizo exactamente eso, versionar sus propias canciones y versiones, unas veces con menos fortuna como con la increíble “Beneath The Rose”, en la que cargó demasiado los instrumentos y perdió la esencia de la canción, y otras de forma magistral como con “As you can see” que cerró el concierto. Fue una sesión de arte en estado puro acompañado con grandes toques de simpatía por parte del artista.


Y por último y la sorpresa de la noche fue Black Joe Lewis & The Honey Bears, un grupo de Austin (Texas) que dejó al respetable con la boca abierta nada más empezar el concierto gracias a su talento y la potencia y diversión de sus canciones. Su estilo es muy difícil de clasificar, es una mezcla del más puro soul de James Brown con toques de rock de los 70.

Hay quién lo califica de Punk Soul incluso, pero lo que está claro es que este nuevo grupo va a pegar muy fuerte en el panorama internacional gracias a su calidad artística, su energía encima del escenario y el saber hacer de su incontenible líder Joe Lewis.
(By Hugo)


The Duke and The King: http://www.youtube.com/watch?v=pOBfUnosAeM
Micah P. Hinson: http://www.youtube.com/watch?v=m-6CBPuRKyg
Black Joe Lewis and The Honey Bears: http://www.youtube.com/watch?v=D8h6mwP0Tog

¿Por qué Portland es considerada la Meca mundial de la música indie?

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Portland, Oregon, tiene mucho de bohemio en la mayoria de sus barrios. Allí se han criado y forjado alguna de las bandas más emblemáticas de los últimos años en el panorama indie internacional. Todo el mundo en los afamados Estados Unidos sabe que en Portland hay un duende especial, sí, como en Sevilla pero ésta vez la gente no tiene una gracia especial para el cante, lo tiene para formar bandas de tan alta calidad como para llegar, muchas de ellas, a iconos de éste movimiento recogido gracias a pequeñas discográficas yankees.
Modest Mouse fue una de esas bandas que surgió de una ciudad lluviosa donde, afirman los lugareños, es difícil respirar otra cosa que no sea indie-rock. De alguna manera, Modest Mouse y muchos de los grupos que iré nombrando, han convertido a Portland en un fabuloso parque temático de rock independiente.

Por uno de esos barrios, nos encontramos a otra eminencia, Stephen Malkmus. Éste fue, ahí es nada, el lider de Pavement, un grupo con una dilatada y éxitosa carrera que parece poco a poco llegar a su fin (aún así, por ejemplo, en el Primavera Sound siguen moviendo a miles de entusiastas). Él fue quien creó el movimiento actual del indie rock norteamericano, fijado por los expertos en las postrimerías del año 1992. ¿Dónde reinaba Malkmus por aquellas tierras? pues en uno de los bares con más solera de la zona, el Beulahland, un lugar tenue de esos que sólo han sido vistos en películas de serie B norteamericana.

Un poco más al Oeste de la ciudad tenemos otro lugar de peregrinación para los melómanos del género, hablamos de Doug Fir en East Burnside Street, otro lugar solemne ésta vez frecuentado por el líder de Spoon, Britt Daniel, cómo no, nacido igualmente en Portland.
Pero no nos quedamos ahí, seguimos por la Northeast 28th Avenue hasta llegar al Alberta Arts District, ¿y qué pasa allí?  pues que vive el guitarrista y productor de Death Cab For Cutie, Cris Walla.
Cris es vecino (parece ésto el 13 Rue del Percebe) de la señorita Laura Veirs, una cantante y compositora cuyo marido, Tucker Martine, es además del responsable del sonidito infernal de la entrada del Windows Vista, el productor de los discos de los niños mimados de Portland, The Decemberists.

Pero Portland no está sólo para los grandes nombres y los grupos prodigio, también es cuna de otros magníficos grupos que quizá a priori, gocen de menos reputación en el país de las "barras y estrellas".
Nos referimos a M. Ward, The Thermals, Everclear o Dandy Warhols. Algunos de ellos no originarios de Portland pero ya vecinos desde tiempos remotos de ésta maravillosa ciudad.

Y tan grande se hace la reputación de la capital del estado de Oregon, que a celebrities del rock como Anthony Kiedis de los Red Hot Chili Peppers o Gerard Way de My Chemical Romance, se les hace el culo pepsi-cola por venir a vivir aquí! (Se rumorea que Anthony se pasea con un horroroso Hummer dorado por la ciudad para presumir de su nueva novia, una top model muy reconocida en USA).
Éste boom sólo puede ser comparado con el de los años 90 en el Seattle más grunge de la historia o la concentración hippie de Bay Area.

Con todo ésto hay que puntualiar y resumir la idea: Portland es la cuna de un estilo, un sello musical distintivo. No es una concentración de ningún movimiento social transitorio. Su fama como "denominación de origen" impregna tanto a bandas nacidas allí como a posteriores grandes que una vez alcanzado un cierto nivel, marcharon a Portland en busca de empaparse de ese estilo, de ese "musical know-how".  Por eso, cuando hablamos de la escena musical en Portland, agrupamos a bandas nacidas en sus tierras como The Decemberists y a otras que se mudaron allí nada más nacer, es el caso de la banda de "twisty-pop" The Shins.

Pero, ¿por qué Portland?, ¿qué es lo que los artistas ven allí?.
Los músicos hablan de ésta como la ciudad "entrenched in juvenilia", una ciudad de "calm longevity" (según el genio de The Decemberists, Colin Meloy), un lugar que ha servido de inspiración para otro de los grandes, Elliot Smith, el cual nunca hubiera concebido una visión de la vida tan romántica y mística si no hubiera nacido en ésta hermosa ciudad; ¿a caso Elliot hablaría así en sus canciones de haber nacido en la agitada New York o en la postmoderna Los Ángeles? déjenme que lo dude.
En palabras de Malkmus, "It´s easy to live here", no importa que seas un vagabundo (la gente te llamará bohemio) y no importa que seas un tarado (la gente te llamará romantico).
Para los Portlanders, "The people are nice, the food is good and creativity is the highest law; financial success is a barista job that subsidizes your Romanian-space-folk band or your collages of cartoon unicorns". Y es que, como dice el anteriormente mencionado Britt Daniel: "Portland's combination of affordability, natural beauty, and laid-back weirdness is an independent artist's dream".

¿Se acuerdan del fántástico Seth Cohen que una vez se escapó de sus complejos y temores en un catamarán rumbo a un lugar donde alejarse de las modas, superficialidades y vanalidades de la vida adinerada de la West Coast californiana? ¿Recuerdan dónde fue a parar? efectivamente, Portland.
(By JRGE)

Video Elliot Smith (live): http://www.youtube.com/watch?v=pAfPfcwgUM8
Video Death Cab For Cutie (live): http://www.youtube.com/watch?v=hcJZOX7_AOk

The Plastiscines: Les bébés rockers salen de sus pañales

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Una vez más gracias a MySpace hemos podido conocer a este cuarteto adolescente que parece haber salido directamente de un garaje parisino. Su nombre hace referencia a la letra de "Lucy In The Sky With Diamonds" [Picture yourself in a train in a station/ with plasticine porters with looking glass ties (...)].
Al micro, y guitarra principal en mano, nos encontramos a Katty, seguida por la segunda guitarra de Marine, con Louise en el bajo y Caroline a la batería. Estas muchachas, aventureras donde las haya, dejaron su París natal para romper les reglès du jeu en otros países con temas innovadores e historias enrevesadas del mundo actual.


Y parece que poco a poco se van abriendo camino, aunque hasta ahora no lo hayan tenido muy fácil en lo que a crítica se refiere. Aunque las veamos con jeans ajustados, Ray Ban de colores y zapatillas desgastadas, la prensa francesa las ha tildado de pertenecer a la "burguesía bohemia" (bobo) algo así como "niñas mimadas hijas de padres ricos que juegan a ser estrellas del rock". Como si fueran las únicas... Personalmente no entiendo muy bien ese punto peyorativo que se marca muchas veces la prensa. Está claro que no se puede ser admirado y odiado por todos al mismo tiempo, pero parece que a muchos les sabe mal que lleguen nuevos adolescentes con hambre de éxito y logren arrasar en cualquier lista que se precie.


Bien es cierto que no lograron convencer ni a crítica ni a público con su primer álbum, LP1, editado por EMI allá por el 2007, en el que sacaban a la luz una serie de temas que no llegaban ni a los 2 minutos de duración. Pero después de haber firmado este mismo año con NYLON Records, probablemente una de las mejores discográficas del momento, The Plastiscines parecen haber madurado y aportar un sello más que personal al que, hasta el momento, es su último álbum, About Love. Temas gamberros y transgresores, como ellas mismas se definen, que oscilan entre el rock y el dance con un toque punk setentero.

En sus iPods no faltan, las que son además sus principales influencias reconocidas: Blondie, Ramones, Libertines, The Strokes o White Stripes, entre muchos otros. Probablemente a la mayoría todavía no os suenen mucho, y si lo hacen puede que os recuerden a The Veronicas, pero para empezar, estas francesitas ya se han hecho con un nombre en el nuevo panorama musical francés, más conocido como les bébés rockers.
(By LU)
 
Temas imprescindibles: Loser, Bitch, Barcelona
Puntuación: 6,2/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=ZMy7DRLlDaE

23 de noviembre de 2009

The Antlers, Hospice: el mejor album del 2009 y el más triste del mundo.

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Dando una vuelta ésta mañana por mi último número de la revista inglesa "Q" (junto con Clash Music, una de mis preferidas), encontré varias referencias a The Antlers.
Siendo sincero, debo afirmar que aún habiendo oído su nombre anteriormente nunca me paré a indagar algo más respecto a ellos. Debió ser porque su nombre me suena al party-gay grupo de Crystal Antlers.., sí, sin duda debió ser eso.

Hoy, mirando la reseña en "Q" sobre su disco, "Hospice", me sorprendió la manera en que lo desmenuzaban, en que lo analizaban. Cuando pasa algo de ésto, mi incosnciente acto reflejo me lleva a darle al play en Lastfm y ver así la trascendencia de lo que en ese momento estamos tratando. En la mayoría de las veces el resultado no me convence y mi comentario interior se dirige hacia la idea de "ya están vendiendome otro nuevo grupo del año". Pero ésta vez (ay amigos!) no fue esa mi reacción.

Los neoyorquinos The Antlers se han convertido en uno de los grupos de la temporada con Hospice y ésta vez no tiene nada que ver con su estilismo o porque aparezcan en alguna serie estadounidense de reconocida fama. No, ésta vez hay materia prima y de la buena.


Hospice es el cuarto álbum del trío norteamericano. Trabajo que narra cómo el protagonista ve morir de cáncer a su pareja. La verdad que a priori da algo de "cosa" ponerse a escuchar un disco así, pero es que es un discazo, una obra maestra!
Puede que la exactitud, realismo y la tenacidad con que están escritas las letras de muchas de sus canciones nos puedan echar un poco hacia atrás a la hora de afrontar una lenta y larga escucha del album, pero sin duda, merece la pena (No en vano éste último trabajo de los Antlers ha sido catalogado por la mayoría de la prensa extranjera como uno de los 3 mejores albums en lo que llevamos de 2009).


En nuestro país estarán el día 2 de diciembre en Barcelona, sala Apolo, y el 3 de diciembre en Madrid, sala Caracol. En ellos podremos cerrar los ojos y escuchar una mezcla (para el que aún no les haya escuchado) entre sonidos profundos y voces de ultratumba al estilo Arcade Fire, cadencias de ritmo propias de Fanfarlo y sutilezas muy propias del indie americano contemporáneo al estilo Rogue Wave.

Es un album para merendartelo con un cola-cao a media tarde, para escucharlo sólo y sin prisa. Moja una galleta en el tazón y déjala que navegue a su antojo mientras tu mirada se pierde a través de la lluvia que empapa los cristales de la cocina. Saboréalo lentamente y sólo así se convertirá en lo que es, el mejor disco de éste 2009, un poco triste, pero impresionante.
(By JRGE)


Temas imprescindibles: Two, Shyba, Kettering, Wake, Bear.
Puntuación: 8´25/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=ZsXKa97J6pM

LBm News: Vampire Weekend en Madrid y nueva meada fuera de tiesto de los Killers.

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No es la primera vez que lo hacemos pero ésta vez no queremos ser sucios y despiadados. En alguna otra ocasión, nuestra codicia particular nos ha llevado a publicar alguno de los conciertos un pelín más tarde de saberlo, justo después de asegurarnos un par de entradas. De igual manera, en otras ocasiones, jugamos el papel de "poli malo" al adelantar la exclusiva (nos ponemos la medalla porque...coño!, fuimos los primeros!) de que los Killers cancelarían su especial show en Pacha el año pasado.


Pues bien, en ésta ocasión y aún sin tener nosotros las entradas (un gran acto de bondad para estas Navidades), lo confirmamos: Vampire Weekend actuarán la última semana de Febrero en Madrid, en el Teatro Circo Price (y joder!, qué coño pasa q ahora todo el mundo actúa en éste teatro tan bonito y tan incómodo?!?!, hay butacas donde te puedes romper el cuello para mirar el escenario y además, no se puede fumar!; sí,sí,... habéis oído bien, no se puede fumar!!; no me imagino un "A-Punk" sin una birra y un piti, no puedo...)


Por otra parte, y como ya viene siendo habitual, The Killers, los "nuevos Killers", esos grandes músicos liderados por el mormón de Brandon Flowers que siguen empeñados en parecerse más a los Pet Shop Boys que a los auténticos Killers de Hot Fuss, nos vuelven a regalar otro disco de Navidad. Su título (ojo!) será Happy Birthday Guadalupe (toma ya!).
Mr. Brandon lo confirmó en una reciente entrevista en Monterrey, México. Adelantó que el nuevo Ep saldrá a la venta el próximo 30 de noviembre, y aunque de momento tenemos poca información, hay ya confirmados 2 temas, el propio que da nombre al disco, Happy Birthay Guadalupe, y un cover rumbero-salsero del Hotel California de los Eagles (definitivamente, se les ha pirado... ).
(By JRGE)

Video "Horchata", new single Vampire Weekend: http://www.youtube.com/watch?v=bkUQ-OBazbc
Video demo 30 seg Happy Birthday Guadalupe: http://www.youtube.com/watch?v=EmWU6KxB8m0

17 de noviembre de 2009

She Keeps Bees, una voz desgarrada suena en las azoteas del viejo Brooklyn.

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¿Qué se podría esperar de un duo procedente de Nueva York que compone sus canciones en un apartamento soso e insulso rodeado de palomas y pichones revoloteando...?
Andy y Jessica son la pareja que conforma She Keeps Bees, el último destello de la "Gran manzana". Empezaron a componer allá por el año 2006 cuando uno le contestaba al otro a través del chat terminando amables frases que posteriormente formarían alguna de sus magníficas composiciones que dieron lugar a su priemr trabajo, Minisink Hotel .
Jessica empezó atraída hacia una extraña mezcla de blues y musica disco; según ella, influencias de su padre y de su madre, respectivamente. Sin embargo, Andy siempre se apresura raudo y veloz a sentenciar que su música es más cercana al garage rock que al blues (también dice que tener un tejado lleno de pichones, tórtolas y palomas en Brooklyn es normal, asi que tampoco le hagan mucho caso).

Echando un ojo a alguna de las secciones musicales de periódicos extranjeros y con buen "pedigree" musical, encontré un artículo muy breve en The Guardian que hablaba maravillas de éstos dos palomos que grababan sus canciones con un micro y un ordenador en su habitación. Jessica pone la voz y la guitarra, y Andy la bateria. Su música suena fuerte, vibrante, pesada. Jessica, de mirada dulce y gesto amable, nos sorprende y nos inunda de arrugas el entrecejo al darle al play..., qué vozarrón...!!! Nests (2008) es su nuevo album, un largo lleno de gélidas emociones y contenidas desilusiones.
De igual manera, afirman en The Guardian, She Keeps Bees te gustará si eres de los que se pasa horas escuchando a grupos como Black Keys, White Stripes, the Kills o the Carpenters; otros afirman, más acertadamente, que son una mezcla entre Cat Power y Johnny Cash con la voz de Janis Joplin. Su directo resulta impactante, así que desde aquí, desde el reino de Gallardon "el faraón", pedimos que vengan a vernos "asap"! (en Brooklyn, as soon as possible).
(By JRGE)

Temas imprescindibles: CageMatch, Gimme
Puntuación: 6.9/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=X0hC2YJ_lpQ

16 de noviembre de 2009

Monsters of Folk - La humanidad perfectamente imperfecta.

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Recuerdo que mi abuela me decía de pequeño que había dos tipos de monstruos, los que asustan y los que aterran. Años después podría añadir una nueva categoría, los que no maravillan y asombran. Es el caso de este grupo, Monsters of Folk una agrupación de los mejores artistas del género: Jim James de My Morning Jacket, Conor Oberst y Mike Mogis de Bright Eyes y M. Ward.
El mundo en el que vivimos ha sido testigo de innumerables asociaciones de grandes personajes…la quinta del buitre, los Lakers mágicos de antaño, las tortugas Ninja, los tres mosqueteros, la comunidad del anillo, la alianza rebelde, el equipo A…. Podríamos tirarnos días y días recordando nuestro feliz y armonioso pasado. Pero no estoy aquí para hablar de lo mucho que me gustan estos grupitos de luchadores y deportistas, he venido para daros a conocer a uno de las agrupaciones de seres humanos más increíbles, solo comparada con conjuntos de genios tales como CS&N o los Travelling Wilburys. Los nombres de los integrantes de este súper grupo no tienen el pedigrí de Stephen Stills, David Crosby, Graham Nash y Neil Young y mucho menos de Tom Petty, Roy Orbison, Bob Dylan, George Harrison y Jeff Lyne, pero lo cierto es que han sorprendido por la solidez de su propuesta discográfica tras años curtiéndose, pero sobre todo divirtiéndose, sobre los escenarios de clubes y festivales. Hemos de decir, que sus sonidos se acercan más a CS&N que a los Travelling, hecho que no infravalora su buen trabajo.

Por fin el folk da el salto para salir de su nido y lanzándose a la aventura, nos proponen darnos un paseo entre guitarras acústicas, ínfimas baterías, camisas de cuadros, tristes guitarras eléctricas, lamentos musicales y voces infinitas en el tiempo y espacio, interminables y cosidas entre ellas con maestría. Cada canción es una pequeña historia, un mundo sin explorar, si te atreves, acompaña a estos seres monstruosos por los montes de decorado country, folk con pinceladas de Pop que nos sirven con magia y maestría en este gigantesco disco.

De fondo, aullidos de lobos hambrientos piden y ansían que las voces susurrantes no acaben y que las melodías sacadas del taller de estos cuatro artesanos sigan manteniendo su imperfecta perfección.

Quizás alguien pueda encontrar similitudes con Fleet Foxes en canciones como His Maister´s Voice, pero como ya dije antes su sonido es más parejo al trío americano.

Pero en el disco no todo son alabanzas y rosas que lanza el respetable, como seres humanos que son, cometen fallos…parecer ser que se les coló por la ventanilla de la camioneta una canción sacada de una película de Zhang Yimou, la totalmente innecesaria Dear God (sincerely M.O.F), pero bueno dentro de un elenco de buenísimos temas, se les puede escapar un descosido….pero que sea la última vez amigos.

Finalmente, podemos afirmar que estos señores, bien parten de las raíces para hacer este disco, pero no tienen reparo alguno en echar mano del rock, se agradece. Con todo y con nada, nos presentan un estupendo álbum que es más grande que la suma de las partes que lo han creado.

Larga vida al Folk
“-Sí; somos hermanos ¡Oh Noche!; pues tú descubres el espacio, y yo descubro mi alma.”
-Gibrán Jalil Gibrán-
(By Rorro)

Temas imprescindibles: Ahead of the curve, His master´s Voice, Map of the world.
Puntuación: 8.25/10

12 de noviembre de 2009

Miike Snow, o la revelación escandinava

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La primera vez que escuché a Miike Snow fue en un episodio de una conocida serie de televisión estadounidense para adolescentes que emite actualmente la cadena The CW.

El tema en cuestión era “Animal”, su primer sencillo, y desde el momento en que empezó a sonar de fondo de las últimas escenas, poco a poco comenzó a cobrar tal protagonismo que llegué a olvidarme por completo del contenido del guión. Me di cuenta entonces de que aquel no era un tema más.
Era diferente, original, novedoso y con un ritmo que produce un efecto irresistiblemente adictivo. Sin duda, tenía que encontrarlo. Y no era para menos.
Desde su lanzamiento en febrero del presente año, “Animal” subió rápidamente hasta el número 1 de la lista de la BBC y The Guardian no se quedó corto alabando el buen trabajo de los escandinavos.



La singular banda, para muchos todavía desconocida, se formó allá por el 2007 en Estocolmo, aunque no publicaron su primer álbum hasta este mismo año. Sin embargo, sus componentes gozan de un gran reconocimiento más allá de nuestras fronteras. Los suecos Christian Karlrsson y Pontus Winnberg (más conocidos como Bloodshy & Avant) están detrás de la producción de muchos discos de Madonna, Kylie Minogue o Maroon 5 entre otros, pero sobre todo destacan por ser los responsables de muchos de los éxitos de la princess Spears, con quien ganaron un Grammy en 2004 por el tema “Toxic”. Y fue precisamente en el norteamericano Andrew Wyatt, vocalista y compositor, donde encontraron la pieza clave para formar el puzzle musical del que saldría Miike Snow. El resultado: un disco homónimo, impecable, cuyos temas están pegando fuerte en todo el mundo. Los Snow logran una perfecta melodía de la mano de las guitarras y del piano haciendo al mismo tiempo un uso responsable de la electrónica. El sonido es agradable, sobrio, sutil y evocador, tanto que muchos ven en ellos tintes de los Vampire Weekend. En definitiva, un pop escandinavo nada tóxico. En una reciente entrevista en ClashMusic.com, Andrew Wyatt se mostraba gratamente sorprendido por esta “popularidad inesperada” que les había llegado con tan solo un álbum en el mercado. Todo un reto digno de elogiar, sin duda, y más en los tiempos que corren. Su próximo trabajo no llegará previsiblemente hasta el verano de 2010.
De momento os dejamos que disfrutéis con Black & Blue, el segundo sencillo que, como la propia banda, ni pasa desapercibido, ni deja indiferente.
(By LU)

Temas imprescindibles: Animal, Black & Blue, A Horse Is Not a Home.
Puntuación: 6,9/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=8oKQSAt4c4c

11 de noviembre de 2009

LBm Agenda: ahorren para un Noviembre estratosférico..!!!

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Noviembres pasaron sin pena ni gloria. Mes que supuso para los curritos un mero tramite hasta vacaciones y para nosotros, estudiantes, la antesala y reflexion de las arduas tareas académicas. Sin embargo, los pijos-progres y gays de GÜemes vitorean los carteles que ven paseando por Fuencarral.


Nunca un Noviembre vibró ni brilló más. Jamás comenzó tan bien con unos Kings of Convenience, ni siguió en su primera semana con Lacrosse (dia 6) o Camera Obscura (pasado domingo), ni imaginó finalizar al son de Vetiver.

Por eso homenageo a este concierto sin fin con esta agenda, de la cual ya nombramos el Festival de Jazz o las sesiones Greenspace Heineken y a la que ahora añadimos la presencia del Tanned Tin.

Abrimos boca el jueves 12 con Black lips y comenzamos la mencionada fiesta de presentacion:


El Tanned Tin es la alternativa de nuestros festivales alternativos, donde la vanguardia y el acierto ecléctico combaten codo a codo. Festival que nos trajo a A.Collective, M .Ward o Asobi Seksu por primera vez. Carteles pasados que admiramos y presentes que, sin sonarnos en exceso, glorificaremos en un futuro. El Tanned Tin quiso abandonar Castellón, barajando distintas capitales andaluzas y una popular candidatura Vallisoletana. El traslado no llego a buen puerto y la organizacion volvio a su sede oficial. Ante el trastorno de la mudanza la cita se postpone de Noviembre a Enero y a cambio ganamos estas fiestas de presentacion. Cuatro "di-itas" casi, un festivalazo en la Clamores x 55 euritos:

12-Arborea,Stanley Bricks&friends,Damien Jurado.


13-Grouper,Mountains,Tiny Vipers,Early Day Miners,Polvo


14-Dean&Britta,Spectrum,Cheval Sombre,Rockettothesky


15-Num9,Inca Ore,Down Landes,Kuupuu &Samara Lubelski


Para cerrar boca de tanta novedad el 17-Depeche o comenzar las sesiones Greenspace que nos abandonaran el 18.Y seguimos...

19-Micachu/Yann Tiersen con Matt Elliott(altamente recomendable) o Imelda May.


20-Fortune Tellers/The Sunday Drivers/The Right Ons


21-Andrew bird


23-Six Organs of Admittance/Alondra Bentley


25-The Horrors/Juliette Lewis


27-The Sounds/Matt&Kim

29 finalizamos con Vetiver.
Ya ven, ni un respiro. A los asalariados les recomiendo la peticion del anticipo navideño. A nosotros jóvenes sin ingresos, tanta pasta en tan poco margen da lugar a la ilegalidad: roben, trafiquen o prostitúyanse en favor de la música.

Y si escogen la segunda no dilapiden el genero que lo necesitaran para sobrellevar el ritmo. Nos vemos en la noche...
(By Luke Skywalker)
 
Video Andrew Bird (Live): http://www.youtube.com/watch?v=ktxy7ikUKjM
Video Vetiver (live): http://www.youtube.com/watch?v=yOID1x0Bo2w 

The Raveonettes - Made In Hell...

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Nuevo disco: In and Out of Control

Vuelven los protegidos de la Rolling Stone con un nuevo trabajo llamado In and out of control después del enorme éxito que supuso su penúltimo y ya mítico disco Lust, Lust, Lust(2007).



The Raveonettes ha publicado 5 álbumes desde que en 2002 el mítico editor de Rolling Stone David Fricke se fijase en ellos. Whip It On (2002) fue nombrado el Mejor Album de Rock del Año en los Danish Music Awards (los equivalentes daneses del Grammy) mientras The Raveonettes eran elegidos por Rolling Stone y Q Magazine como parte de la "Next Wave" de la música contemporánea. Su mejor trabajo hasta el momento ha sido Lust, lust, lust (2007) con canciones como Aly, Walk with me , Lust, Death sound o You Want The Candy, convertidos en clásicos del estilo Techno-dark-rock sesentero distintivo de Los Raveonettes.

La mayoría de los temas son compuestos por Sune Rose Wagner e interpretados por la preciosa Sharin Foo, cuya inconfundible voz aterciopelada te va absorbiendo con cada tono. Sus influencias están claramente ubicadas en el rock oscuro de los 50s y 60s con grupos como The Velvet Underground, incluso según sus propias declaraciones, su nombre hace referencia a The Ronettes and Buddy Holly's "Rave On!".

Su estilo está profundamente metido en la oscuridad, si sus temas se usaran como banda sonora de alguna película, desde luego sería una muy sórdida con toques de humor y mucha acción, muy al estilo de los hermanos Cohen.

Su último disco es más pop que el anterior, aunque conserva la esencia de los ruidos aparentemente sin sentido y el electro rock de los discos anteriores. Era complicado superar su anterior trabajo, y como era de esperar In and out of control (2009) aporta muy poco al estilo de la banda. No se puede decir que se hayan vendido, pero su sonido es claramente más sencillo, más para todo el mundo, aunque siguen siendo bastante minoritarios ya que aunque se hayan suavizado un poco siguen siendo un grupo complicado.

Por el momento no tienen fechas de conciertos confirmadas..
habrá que estar atentos.. (By HUGO)


Puntuación: 4,8 / 10

Temas Imprescindibles: Bang, Gone Forever, Heart of Stone.

Video: http://www.youtube.com/watch?v=JOnKJf522kE&feature=fvw

10 de noviembre de 2009

Quique González - Pónme una de Rock Sureño

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-Perdón- dije con timidez presionando suavemente el enjuto hombro de aquel hombre encorvado, con barba de tres días y oliendo a whisky barato.
-¿What the fuck?- Rebuznó el curioso personaje con acento sureño, para luego soltar una retahíla de insultos en un americano cerradísimo.


-¿Me podría decir donde esta Nashville? soy español, músico, vengo a grabar un disco-dije con timidez y un atisbo de miedo al ver a tan estrafalario ser.

-Yeah….-su rostro se cubrió de una sombra enigmática y con voz profunda y rasposa dijo:- Just follow your heart man-

-Muchas gracias…amigo-dije con fingido entusiasmo.

El tipo carraspeo con fuerza y escupió al árido y arenoso suelo del desierto americano, para luego volver la cabeza al horizonte, mirando fijamente al sol, entrecerrando los ojos y dando largos tragos a su pequeña petaca. Era el principio de mi camino, no era un gran paso hacia delante, pero se abrían nuevos senderos.

Soy Quique González, y este es mi camino, y tu, compañero Mio, no eres mi compañero, pero ¿Cómo hacer que lo entiendas? Mi camino no es tu camino y a pesar de eso, andamos juntos, agarrados de la mano.


Ha vuelto, el añorado, el deseado, Quique González, el niño díscolo de las discográficas, saca nuevo disco, Daiquiri Blues. Para ello ha viajado, apartándose del mundanal ruido, hasta Nashville, quizás una de las ciudades más musicales del planeta (de allí son por ejemplo los propulsores del rock sureño en el S. XXI, Kings of Leon).

Sacas el disco de su funda, lo metes en el reproductor, le das al Play y oyes susurrar: “Un, dos, tres, y….”empieza la aventura de escuchar un disco de Quique, de inspeccionarlo, intenta desabrochar los botones de su blusa, de robarle la virginidad que guardaba solo para ti, dejando que mojes tus labios con el pecado de sus historias y letras. Acompañado de Brad Jones, productor de Josh Rouse entre otros, consigue que sus sonidos sean más puros (si cabe), convertidos en pura naturaleza sureña. Acompañado de Ken Coomer, antiguo componente de Wilco y de Al Perkins, estos arquitectos ayudan a Quique a impulsar las historias de descosidos amorosos hasta el final. Pero no robemos ni por asomo un ápice de merito al madrileño, puesto que él es uno de los únicos artistas que ahora mismo pueden cantar un genero como este en español sin machacarlo ni desdibujar los orígenes del rock de autor. En este disco, vuelve a ser fiel a sus principios, tirando de guitarras y armónicas de un domingo por la tarde, Quique González vuelve a crearse, haciendo transbordo en el árido, seco y caluroso tiempo sureño para deleitarnos otra vez más con su susurrante voz y sus historias, pequeños mundos del artista apaleado. Aunque he de ser sincero, Quique ha alcanzado su plena madurez, ahora debe cambiar de rol y crear un disco que barra las virutas del pasado para poder abrir un nuevo sendero en la música de uno de los mejores artistas del momento.

“Bendito sea pues, el pastor que en nombre de la caridad y de la buena voluntad saque a los débiles del valle de la oscuridad” Ezequiel 25-17
(By Rorro)

Temas imprescindibles: Daiquiri blues, La luna debajo del brazo.
Puntuación: 7/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=J0yFVIHdiOM

Wolfmother, Los 70 siguen siendo guayones.

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Andrew Stockdale, líder de Wolfmother, es físicamente una mezcla entre Jim Morrison (The Doors, para los incultos) y Marc Bolan (T. Rex).
Aparte, musicalmente, su grupo mezcla la osadía y anarquía de Black Sabbath con la maestría y perfeccionismo de Led Zeppelin. Otras influencias destacables podrían ser Pearl Jam o T. Rex entre otros. También dice tener especial predilección y estar muy influenciado vocalmente por Iggy Pop, suyas son estas palabras: ”Iggy Pop siempre me gustó mucho. No se como pasó, pero un día me puse a cantar y mi voz se pareció a la de Iggy”.


Pero presentemos a estos muchachos como se merecen, puesto que se han ganado la etiqueta de los músicos que convirtieron el Heavy en Cool. La creación de este grupo fue originalmente compuesta por el cantante ya citado, Andrew Stockdale, y sus compañeros de faenas, Chris Ross y Miles Heskett. Pero en febrero de este año se anunció su ruptura, esta es una constante vital en la vida de las grandes bandas de rock. Solo hay que mirar atrás: las borracheras de Ozzy Osbourne en Black Sabbath (que ya citábamos antes como influencia), las locuras de Axl Rose en Guns N´ Roses… aunque nuestra vista no ha de virar en exceso hacia popa, puesto que está reciente la separación de los hermanos más díscolos de la música, los Gallagher en Oasis.

Despues de tales vaivenes, se unieron a la banda: Aidan Nemeth (guitarra), Ian Peres (bajo y guitarra) y Dave Atkins (batería) dando una nueva pincelada de juventud y frescura en el grupo, cosa que hacia falta, puesto que Andrew empezó su periplo musical ya entrado en años, con 27 formó la banda originaria(edad alta para el mundo musical), ahora tiene en su haber 33 añitos y agradece la compañía de músicos jóvenes.


El titulo del disco, salió de una clase de Yoga a la que asistía Andrew, en un ejercicio de relajación le dijeron que debería ponerse en posición huevo cósmico, luego en el estudio, esa misma palabra resonaba en su mente, y se atrevió a ponérselo como titulo. Seguramente llegarán a los puños con los franceses Phoenix por establecer el titulo más estúpido del 2009. Su nuevo disco, es un coctel de retro-rock, psicodelia, salvajismo y brutalidad, que vence y convence para poder convertirse en la banda del año.

En el disco, han explotado menos la psicodelia de los anteriores, alcanzando un sonido más depurado y renovado, se nota en canciones como “10.000 Feets”, muy parecida al estilo Zeppeliano o “California Queen” que recuerda a Iggy Pop. Estos australianos anclados en 1970 están dispuestos a hacerse un hueco en el panorama musical, ya se dieron a conocer en el Azkena Rock ´06 en Vitoria, acompañaron a Pearl Jam en su gira, telonearon a AC/DC, y ahora quieren empezar su propia gira (The New Moon Rising Tour).

Buscando su alzamiento como banda consolidada y con posibilidades en este mercado, para dejar de escuchar la frase que ninguno de nosotros quiere escuchar:

“La guerra ha terminado y ellos han ganado… Los comerciantes de Bazofia convertirán la música en un simple negocio y se cargarán todo lo que nos encanta de ella”. Estos chicos están en primera línea para reafirmarse como una banda prometedora y con muchas aptitudes para convertirse en la mejor del año.

Pero amigos, aparte de sus méritos musicales, seguro que les reportará grandes beneficios la contratación como nueva imagen de Absolut Vodka, con un envase hecho de cuero y tachuelas. Aunque eso si, quieren alejarse del estereotipo de banda de APSV (anuncios/películas/series/videojuegos). Así que ha llegado la hora de enfrentarse a sus demonios y poner el nombre de Wolfmother donde se merece, en el panteón de los clásicos del rock, junto a los verdaderos grandes. Como diría su líder: “hemos grabado un disco inmortal, no caducará con el tiempo, estoy seguro. Porque la buena música se escuchará siempre.

Dios te oiga, camarada
(By Rorro)

Temas imprescindibles: New moon rising, California Queen, Woman.
Puntuación: 7,25/10
Video: http://www.youtube.com/watch?v=b7xgXdJ05IY

LBm literatura: Philip Norman y su John Lennon particular.

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Hoy recogemos un gran artículo de Joseba Elola para el diario EL País acerca de la última biografía publicada por Philip Norman sobre el "Gran Beatle", de John Lennon.

El País
JOSEBA ELOLA - Madrid - 07/11/2009

Hotel Delmonico, Nueva York, 28 de agosto de 1964. Un folkie apasionado y áspero llamado Bob Dylan entra en la suite de unos chicos que andan de gira por Estados Unidos y de los que todo el mundo habla, The Beatles. John Lennon ha organizado la cita por medio de Al Aronowitz, periodista amigo de Dylan.

"John podía ser muy duro y cruel y era muy vulnerable", declara Norman

Yoko cree que hubo un momento en que John consideró una aventura con Paul
Las que, probablemente, son las dos figuras más influyentes de la música popular del siglo XX se admiran mutuamente, pero son incapaces de admitirlo. Dylan rompe el hielo y comenta que le encanta la canción I want to hold your hand, con ese estribillo tan pegadizo de I get high, I get high [me coloco, me coloco]. John y Paul le confiesan que no: lo que dice la canción es I can't hide [no puedo esconderme]; una cosa es el inglés británico y otra, el americano. Avergonzados, admiten que no es que hayan colado de rondón ese verso en el tema; de hecho, apenas han probado la marihuana en serio. Dylan se ofrece a remediar semejante carencia y se lía un canuto, pero no es muy ducho en estas lides. Al final, como no podía ser de otro modo, es el periodista el que se lo lía. Ésta es una de las múltiples deliciosas anécdotas que contiene John Lennon, la rotunda biografía de Philip Norman que Anagrama edita el 26 de noviembre en España.

Paul McCartney vio la luz con aquel bendito petardo compartido con Dylan. John y Ringo no podían parar de reír.

La biografía de Philip Norman alumbra nuevos paisajes de la atormentada existencia del genio rebelde de The Beatles. Ya retrató a Lennon como un tipo torturado en Gritad: Beatles, publicada en 1981 y saludada como la gran biografía del cuarteto de Liverpool. En esta nueva entrega, centrada sólo en el compositor de Imagine, da una vuelta de tuerca e intenta explicar las causas de esa infelicidad, de esa tortura interior. Para su trabajo de investigación, Norman cuenta con la colaboración de Yoko Ono, Sean Lennon (el hijo de John y Yoko) y Paul McCartney, además de George Martin (el productor) y hasta Arthur Janov, el terapeuta del beatle; vamos, que su acceso a fuentes es privilegiado, cimentado en el respeto que infundió su anterior trabajo como biógrafo.

Philip Norman bucea en la infancia del hombre que compuso Julia, esa joya alojada en el llamado White album, para encontrar las raíces de esa infelicidad que acompañó a Lennon en sus 40 años de existencia. "Nunca escapó de las heridas de su infancia, no superó el hecho de que sus padres le abandonaran", explica en conversación telefónica desde Londres Philip Norman. A los seis años, su padre le pidió que eligiera con quien prefería vivir, con su madre Julia o con él. John acabó yéndose a vivir con la tía Mimi, a cuya correspondencia privada se accede por primera vez.
Lennon crece en casa de su estricta tía. Cuando tiene 17 años, una tarde, Julia -su madre- viene de visita. Al salir, de camino a la parada del autobús, es arrollada por el coche de un policía fuera de servicio y muere. Poco después fallece de una hemorragia cerebral Stuart Sutcliffe, su gran amigo, el primer bajista de The Beatles. "La persona que uno es por dentro nunca cambia. Él fue muy infeliz. Su enorme fama podría haber catapultado su autoestima", explica Norman, "pero él se infravaloraba". Las 786 páginas de esta biografía muestran a un hombre que, a pesar de ser muy envidiado, penaba en su día a día. "Podía ser duro y cruel, era una persona muy vulnerable y tremendamente sensible".
Las cintas de casete que grabó en sus dos últimos años de vida, cuando su tormento interior parecía amainar, llevan a Norman a revelar uno de los aspectos que más atrajeron la atención de los tabloides británicos al publicarse esta biografía en el Reino Unido, hace un año. En una de ellas, Lennon recuerda aquel día en que se tumbó junto a su madre y tocó accidentalmente su seno. No supo si proseguir o no. "Siempre pensé que tendría que haberlo hecho", confiesa Lennon en las cintas. "Presumiblemente, ella podría haber aceptado".


Es esa tendencia al autoanálisis la que alimenta otra de las revelaciones que Norman desliza en el libro: la reflexión gay de John, que más bien parece responder a una coquetería intelectual. John y Paul tuvieron una relación de amor-odio muy fuerte, casi propia de una pareja. Y Yoko le cuenta a Norman que piensa que hubo un momento en que John consideró una aventura con Paul por aquello de que un auténtico bohemio lo prueba todo. El revuelo que se armó con la distorsión y amplificación de este episodio del libro conduce a Norman a rebajar el tono y destacar ahora con contundencia la condición heterosexual de Lennon.

Norman, que conoció a Lennon en los sesenta, cuando trabajaba como periodista de una gaceta local, se muestra apesadumbrado por el rechazo de Yoko Ono a este libro. "Nadie salvo ella ha dicho que la biografía es maliciosa. No sé por qué lo dice. Yoko ha sido una mujer demonizada por todo el mundo. Fue el gran amor de John, estaban hechos el uno para el otro. Tenían muchas cosas en común, entre otras, su sinceridad. Si tú preguntabas, ellos contestaban. Ella fue muy sincera conmigo en las 14 horas de entrevista que hicimos".

La biografía recorre con precisión la vida de Lennon y se cierra con un capítulo sobrecogedor en el que Sean Lennon, el hijo de John y Yoko, habla a corazón abierto de su padre y recuerda aquella mañana en que despertó y su casa estaba llena de personas con cara muy seria. Era el 9 de diciembre de 1980 y de la calle trepaba hasta su ventana el barullo de policías y cámaras de televisión. Su padre acababa de ser asesinado la noche anterior frente a la puerta de casa. Sean tenía cinco años. El niño que apenas conoció a su padre cuenta que entendió que debía comportarse como un adulto y no llorar. "No te preocupes, ya encontrarás a otro", le dijo a Yoko Ono en aquella negra mañana.
Video: http://www.youtube.com/watch?v=8zhoHAHGLxE

6 de noviembre de 2009

Nick Drake, aniversario del mito. I never saw moons knew the meaning of the sea...

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Se cumplen 35 años desde que el mito de la música folk británica muriera enigmáticamente. El que fuera influenciado por Dylan y Phil Ochs, escribió alguna de las canciones más bellas de la historia de éste género musical. Hoy Drake se alza como una leyenda tanto para veteranos como noveles en la bohemia instrucción de la historia folk. Su experiencia vital y genialidad en sus letras y composiciones pudiera ser fruto de ese equilibrio mágico entre cuerpo y mente, de llegar a ser un notable jugador de rugby a la par que un fumador empedernido de cannabis en su oscura habitación de la Universidad de Cambridge. Se cumplen 40 años de su primer disco: Five Leaves left (hace referencia al aviso del papel de liar cuando sólo quedan cinco papelillos más). En Long Brit no podía faltar una mención a tal obra maestra. El genio no tuvo reconocimiento en vida con ninguno de sus 4 discos y soprendentemente, más de 20 años después, Nick Drake es incluso portada de la revista NME. Como dato decir que su canción Pink Moon fue banda sonora de un anuncio en EEUU de automoviles. Pocas semanas después, el autor ya había vendido mas cds que en toda su vida!!!

Su madre le halló muerto fruto de una enorme depresión encima de su cama junto a un libro de poemas y mientras sonaba de fondo una pieza de Johann Sebastian Bach. Adorable muerte.
(By JRGE)

I never felt magic crazy as this

I never saw moons knew the meaning of the sea

I never held emotion in the palm of my hand

Or felt sweet breezes in the top of a tree

But now you're here

Bright in my northern sky

Os dejo con una de las canciones más bonitas que se han escrito nunca...
Video (Northern Sky): http://www.youtube.com/watch?v=znmGyzgmVcA

3 de noviembre de 2009

Mesita, (robots, counter strike, zelda, whiskey, colores brillantes,.. Grandes influencias para una de las sorpresas de Otoño).

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No me gusta, es algo que ni siquiera puedo ver y aun asi detesto. Hace que nada perdure, que todo gire en torno a él. Todo lo ha de medir. Consigue que recordemos sus mejores momentos y nos hace sufrir cuando esperamos que pase de largo.


El tiempo rige todo...incluso la musica.
¿Existe un momento de creatividad en un musico?¿Un tiempo para crear?
Podemos ir suponiendo que los 19 son a cuartetos de un solo tema... lo que a los 26, la experimentacion.Y ya se va imponiendo que los 21 corresponden a solistas en pleno auge.

Despues de Ben,  nos llega el siguiente caso desde Colorado. Tan solo hace un añito rogaba por email su propia difusion.
En 2008 sacó su primer disco, Cherry Blossoms, producido con un portatil y un par de miscros viejos. Nos llega ya su primer EP "No Worries". Cinco temas que distan mucho de esos desencajados comienzos. Un empaste asombroso y una fina paleta de artificios que nos lleva hasta comparaciones con Animal Collective o Ladies WC. Pasando del electro a ritmos sureños sin despeinarse.

Leo en myspace las influencias de cada escucha y esta banda de un solo componente me ha conquistado: robots,counter strike, zelda, whiskey, colores brillantes o carreteras entre ellos.
Un Ep con material de sobra para perfilar un disco maestro, libre de etiquetas y convencionalismos. Mi apuesta para el fin de Otoño.
Espero que sirva como mobiliario en vuestros playlist.
(By Luke Skywalker)

Temas imprescindibles: Missing out, Excited for the future, Cinnamon candies.
Puntuación: 7,2/10
Video & music: http://www.myspace.com/mesitamusic

2 de noviembre de 2009

LBm Crónica: Kings of Convenience y la perfección.

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No es la primera que me pasa y no quisiera mencionarlo, pero debo. En un par de veces ya salí de varios conciertos (fue el caso de Coldplay y posteriormente, Grand Archives) pensando que aquél, había sido el mejor concierto de mi vida. Pasa el tiempo y con cada concierto, te vuelves mucho más exigente. Ayer no sé si mi exigencia podrá seguir creciendo con el tiempo. Creo que "estuve en el mejor concierto de mi vida...!"


El público colgó el cartel de "lleno" varias semanas antes de la cita y no fue para menos. Los escandinavos bordaron una actuación impecable, irrepetible y perfecta. La obsesión por ésta última, la perfección, es la que me lleva a ver en ellos, una y otra vez, a los mismísimos Simon & Garfunkel en pleno siglo XXI.

Erlend y Eirik, dos voces y dos guitarras entrelazadas como los amantes perfectos enredados entre las sábanas de una elegante y barroca cama de dimensiones majestuosas. El empaste de sus voces, la capacidad para alinear y dar simetría a cada uno de sus acordes, todo era perfecto.


El respetable, ansioso por ver a los escandinavos en Madrid por primera vez, estuvo entregado desde la primera canción. Al finalizar el segundo de los temas de la noche, su primer single del nuevo disco ("24-25"), la ovación ya era ensordecedora, atronadora (una treintañera sentada al lado de mi butaca parecía arder en pasión y un orgasmo recorria su cuerpo hasta moverle las orejas como hipopótamo en la charca). Erlend se ruborizaba al tiempo que explicaba en otro de su gestos inclinados hacia la "perfección" que, por favor, no aplaudiéramos entre las canciones ya que por la mera estructura acústica del recinto, a ellos les llegaba el sonido algo retardado. El público, fue respetuoso hasta que en las postrimerías del acto no se pudo resistir más. Incluso Erlend y Eirik aplaudieron a rabiar con nosotros.


Una primera media hora a cara de perro entre los dos amigos, cada uno con su guitarra española, dió paso a un final en el que la entrada del violín y el contrabajo anunció que llegarían sus canciones más esperadas, principalmente "Misread" y "I´d rather dance with you" (con la que terminaría el conciertazo) sin menos preciar otras de gran calado como "Boat Behind" o "I Don´t Know What I can Save You From".

No quiero extenderme más explicando lo que parece evidente. Lo de ayer fue un nivel superior. un concierto atemporal, MUSICA con mayúsculas, alejada de modas o pasiones juveniles, para todos los públicos, para incluso aquellos que fueran sin saberse ni una sola canción, un calidad sonora fuera de lo común, un ejercicio de brillantez. Fue... el mejor concierto de mi vida.
(By JRGE)

Crónica "gente digital": http://www.gentedigital.es/noticia/137039/kings-of-convenience-elegancia-noruega-en-el-circo-price/
Crónica El País digital: http://lacomunidad.elpais.com/dario-manrique/2009/11/2/kings-of-convenience-bailoteo-con-guitarras-acusticas-e


P.D.: No se pierdan alguno de los videos en directo que a continuación les dejo de la noche de ayer, increibles!. (Qué pena no haber podido ir a la sala Caracol con los noruegos en su after-show oficial. Los lunes hay que madrugar, qué se le va a hacer...)

Colección Videos youtube concierto Madrid: http://www.youtube.com/results?search_query=Kings+Of+Convenience++Madrid&search_type=&aq=f